Dès les premières notes de “Bloom”, quelque chose s’ouvre, respire, prend forme. Comme une promesse tenue, le premier album du pianiste Levi Harvey, enregistré en octobre 2025 au studio Sextant de Malakoff et sorti chez Sunset Record/Baco, donne à entendre l’éclosion d’un pianiste déjà pleinement conscient de son langage, de
Il faut faire preuve d’audace et d’originalité, pour revisiter Django Reinhardt sur le plan vocal. C’est ce qu’accomplit la chanteuse Cécil L.Recchia qui apporte une interprétation très personnelle en modernisant les lignes mélodiques ainsi que leurs harmonies.Comment interpréter Django sans guitare? Cela me rappelle un disque de Don Sebesky, un
Biréli Lagrène est un véritable caméléon pouvant aller du Jazz Manouche au Jazz Rock en passant par le Be-Bop en jouant des phrases qui transpercent et laissent sans voix. Il avait à peine douze ans, qu’il maîtrisait déjà le répertoire de Django, puis il faut aussi voir cette façon de
La Caverne Jazz de Marseille reçoit le 10 avril un trio exceptionnel par la notoriété de ses musiciens, de leur œuvre et par la qualité du jeu collectif.Benoit Sourisse à l’orgue, André Charlier à la batterie et Louis Winsberg seront présents.En 2018, ils publièrent “Tales From Michael”, un hommage très
Le Festival Nancy Jazz Pulsations propose une variété d’artistes venant d’horizons très divers. C’est l’occasion de présenter de jeunes artistes qui partagent l’affiche avec d’autres musiciens plus connus. Le trio Back To C se ballade à travers des rythmes pop et rock. Pierre Coq Amann explore différentes sonorités du sax enveloppées par les arpèges et accords que Pierre Brouant tisse comme de la dentelle. La batterie énergique fait pourtant preuve de nuances et de finesse. Le clarinettiste Michel Portal viendra jouer sa musique empreinte de curiosité avec des rythmes toujours
Entre le 22 et le 25 septembre prochain, la capitale de la Corse vivra au rythme du Swing. Le groupe vocal Family Quartet sera le premier à se lancer sur la scène. Entre morceaux acapella et ceux accompagnés par l’orchestre, vous serez bercés par les douces harmonies des différentes voix. ANNE PACEO et son groupe Bright Shadows continue ses explorations au croisement de la Pop, du Rock et de l’Electro, auxquels le Jazz s’invite de temps en temps. Entre chants incantatoires et rythmes binaires, la musique de la batteuse est
Les Jazzmen reviennent sous la grande Halle de la Villette, pour une édition encore plus variée que les années précédentes. Dès l’ouverture du Festival, le chanteur José James vous charmera avec sa voix crépitante et chaude, empreinte de Soul. En première partie, JEANNE ADDED en compagnie du pianiste Bruno Ruder, proposera un hommage au chanteur Prince. Le lendemain, plusieurs grands artistes rendront hommage au saxophoniste Manu Dibango – Officiel disparu en 2020. Angélique Kidjo le pianiste Cheick Tidiane Seick seront là pour célébrer celui qui a chanté l’Afrique avec son
La Rochelle Ensemble vivra au rythme du groove de la Soul et du Funk, entre le 13 et le 17 octobre prochain. Parmi les artistes qui seront sur scène Rodolphe Lauretta Music NICOLAS FOLMER, Nicolas Gardel et Julien Lourau enverront de la bonne musique et du gros son. Le jeune altiste a réalisé l’album « Raw » au cours duquel la prise de risques est grande. Accompagné uniquement de la contrebasse et de la batterie, le saxophoniste montre sa grande maîtrise du placement rythmique. Pour le Festival, il jouera un programme plus
Dès les premières notes de “Bloom”, quelque chose s’ouvre, respire, prend forme. Comme une promesse tenue, le premier album du pianiste Levi Harvey, enregistré en octobre 2025 au studio Sextant de Malakoff et sorti chez Sunset Record/Baco, donne à entendre l’éclosion d’un pianiste déjà pleinement conscient de son langage, de son son et de l’espace qu’il laisse à la musique. Rien n’est forcé ici, tout semble couler de source, avec une élégance naturelle et une profonde attention au collectif.
Pianiste franco‑anglais issu de la classe de jazz et de musiques improvisées du Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris, Levi Harvey (23 ans seulement !) s’impose comme l’un des jeunes talents les plus remarqués de sa génération. Lauréat du Concours international de piano jazz de Chorus Lausanne en 2023 et récemment sélectionné parmi les Talents Adami Jazz, il trace un parcours exigeant, nourri autant par la tradition que par une vision très actuelle du trio. Son jeu s’inscrit dans une filiation assumée, où l’on perçoit l’ombre bienveillante de Pierre de Bethmann, mentor et figure tutélaire, mais aussi une volonté claire de s’en affranchir pour affirmer une voix personnelle.
Ce qui frappe d’abord, c’est la limpidité de son piano. Le toucher est clair, précis, d’une grande lisibilité, même dans les passages les plus denses. Levi Harvey joue sur un piano à queue qu’il aborde avec une grande maîtrise des nuances, sculptant les silences autant que les notes. Son jeu puise dans un large spectre d’influences : le bebop et le hard bop de Bud Powell et McCoy Tyner pour l’élan et la rigueur, Keith Jarrett pour la liberté du discours, mais aussi Sullivan Fortner pour cette manière très moderne d’articuler rythme et mélodie. Le résultat est un piano à la fois mélodique et profondément rythmique, connecté à l’histoire du jazz sans jamais en être prisonnier.
“Bloom” est avant tout un album de trio, et l’équilibre atteint ici est remarquable. À la contrebasse, Cyril Drapé déploie un jeu à la fois solide et souple, ancrant la musique tout en dialoguant constamment avec le piano. Pierre‑Eden Guilbaud, à la batterie, apporte une énergie précise, une écoute permanente et un sens du swing qui irrigue l’ensemble. Le trio fonctionne comme un organisme unique, où chacun trouve sa place sans jamais prendre le pas sur les autres.
Les compositions révèlent toute la richesse de cet échange. “Infinity” installe d’emblée un climat ouvert, presque suspendu, où le rythme circule librement. “Oak Bloke” affirme un rapport plus terrien au groove, porté par une pulsation ferme et un jeu rythmique ciselé. “Idea” séduit par la beauté simple et mémorable de son thème, exposé avec une grande délicatesse. “Profundo” offre un moment de sérénité profonde, presque méditative, tandis que “P2B” revendique un swing franc et élégant. Enfin, “Unset” libère une énergie plus brute, portée par une intensité collective qui ne se relâche jamais.
Avec “Bloom”, Levi Harvey signe un premier album d’une grande maturité, où la maîtrise du swing, l’équilibre du trio et la qualité du son s’unissent au service d’une musique sincère et habitée.
EN TERRE BE-BOP/ Dans le tourbillon du Be-bop, la tension est liée aux tempo élevés, les solistes s’expriment en jouant des débits de notes importants.Cette rubrique nous conduit à découvrir des enregistrements anciens, qui nous permettent de comprendre l’évolution de cette musique, ses métamorphoses esthétiques et rythmiques et ses grands
EN TERRE BE-BOP/ JAY MCSHANN/ CHARLIE PARKER/ CHEROKEE Charlie Parker figurera souvent dans cette rubrique tant son rôle d’édification du be-bop est fondamental.Avec cette interprétation du standard « Cherokee »qu’il joue en 1940, aux côtés du pianiste Jay Mcshann, les phrases qu’il joue au saxophone sont ciselées précises et d’une fluidité incomparable.Ses
EN TERRE BE-BOP/ Pour commencer cette immersion dans le Be-bop, je vous ai proposé d’écouter celui qui allait bouleverser l’histoire du Jazz pour toujours, Charlie Parker.Dans ce processus de transformation du langage de l’improvisation, écoutezce jeune officier de 19 ans, livrer une improvisation rugissante au saxophone alto.Cet officier de l’US
EN TERRE BE-BOP/ Depuis quelques mois j’ai tenté de présenter dans ma rubrique »Sur la route du jazz » les pionniers de cette grande musique.Issu du Gospel et du Blues, le jazz est le fruit d’une continuité entre le ragtime le Dixieland, le New Orleans et le swing.Le travail rythmique du Ragtime
COUNT BASIE FEATURING JO JONES HARRY SWEETS EDISON BUCK CLAYTON Avec cet extrait du Big Band en 1941, la musique est dynamique et festive.Si le style est encore fortement ancré dans le swing, le solo du saxophoniste ténor Don Byas et les envolées flamboyantes du trompettiste Buck Clayton entre 4’35
Si au Brésil le père de la guitare est Baden Powell connu pour ses harmonisations de mélodies et sa maîtrise du rythme, est arrivé la génération suivante un autre virtuose.
Egberto Gismonti né en 1947 a huit cordes à son arc, telle est la configuration de son instrument. Il est aussi pianiste
Magicien sur le plan technique, il est aussi un pianiste qui a apporté de très belles choses sur le plan harmonique et mélodique. Dès les premières notes, on sent une énergie terrible, des placements et des enchaînements d’accords complexes à exécuter. Egberto est ouvert sur différents styles, Bossa, Soul et Jazz.
Je découvris cet artiste en 2003, en acquérant un disque en duo avec Charlie Haden “In Montréal” en 1989, lorsque le Festival donna carte blanche au musicien Américain. Au cours de cette édition il invita de grands artistes, dont les pianistes Gerry Allen, Gonzalo Rubalcaba, les batteurs Jack Dejohnette, Paul Motion, mais aussi Pat Metheny et le saxophoniste Joe Henderson.
Dans le cadre de cette exploration, revenons au début de sa discographie, en 1969.
Au cours de son premier disque “Egberto Gismonti”, l’hommage à Wes est chargé d’émotion, d’une sensibilité et dramaturgie accrue par l’orchestration des cordes.
Sur huit cordes, Egberto est un innovateur sur le plan rythmique et harmonique.
Le guitariste est animé par une variété incroyable de rythmes et de climats sonores. Dans “Sonho 70”, j’aime ce groove sur “Janela De Ouro”, le psychédélisme des cordes, sur un rythme de batterie, me rappelant la tourne du morceau “Death March” signé Gary McFarland, joué par Wes Montgomery et Jimmy Smith dans leur dynamique duo.
De la chanson “Parque Laje”, on entend une voix lumineuse et des sonorités étincelantes.
Comme souvent dans nos publications de la rubrique sur la Route du Jazz, on parle de grands mélodistes parfois virtuoses et c’est le cas du guitariste Brésilien. Animé par le sens de l’arrangement et de la mélodie, écoutez “Sonho”, un morceau aérien. C’est la joie et le soleil au cours de “Cicione”, du lyrisme exprimé par les cordes et la trompette. Puissant est l’orchestre de cordes sur “O Mercador de Serpentes”.
La guitare vous hypnotise par ses arpèges et accords orientaux au cours de “Lendas”.
C’est un émerveillement, une ode aux couleurs sonores comme on peut l’entendre avec les nappes de cordes accompagnées par les cuivres.
dans le morceau final “Lirica n1”.
“Indi” le morceau d’ouverture d’”Orfeo Novo”, est une illustration supplémentaire du mystère, une facette de plus de la musique du Brésilien.
Quand on l’écoute, on entend son appropriation de différents styles, la Bossa le Classique et sa pièce “Retratos” en trois parties, un dialogue entre la guitare et la flûte. Dans la version de “Berimbau” signé Baden Powell, les cordes sont brûlantes, le rythme énergique.
Toujours au début des années 70, Egberto publie “Água And Vinho”, un opus dans lequel le piano acoustique est plus présent.
D’album en album, le guitariste fignole les harmonies, enrobant les mélodies avec finesse et classe. On entend des cordes et même parfois le soprano.
Dans sa musique, on entend un florilège d’arrangements. En 1973, il réalise un disque intitulé « Arvore”, puis d’autres collaborations sont nombreuses avec des musiciens d’un autre horizon, ceux du Jazz comme Palle Danielsson, Charlie Haden ou Daniel Humair en 1975, lors du “Live in Berlin”, dont se dégage une force sonore poétique et créatrice. Au piano, il tisse aussi des couleurs magnifiques et intrigantes.
Au delà des harmonies, il n’hésite pas à aller vers l’univers du Jazz Rock.
“Coracoes Futuristas” porte bien son nom car la sonorité électrique est une déflagration. “Trem Noturno” est une perle de mélodie et de sonorité toute en douceur jusqu’à 3’00. Le piano est comme du cristal, le swing se déploie ensuite avec vigueur donnant des couleurs parfois Free.
Egberto est un chameleon des styles. Ses sources d’inspiration sont multiples, la Bossa, le Jazz mais aussi le Blues et le groove.
Écoutez “Café” extrait de l’album “Carmo” ainsi que le morceau “Apesar de Tudo”, deux morceaux mélodieux, suivis d’un morceau langoureux au saxophone soprano, accompagnés d’accords percutants au piano.
En 1977, le guitariste publie un album avec Nana Vasconcelos, deux titres de 25 minutes chacun. Les deux musiciens explorent des sons sortant de l’ordinaire. La percussion et la guitare semblent prendre grand plaisir à tenter des interactions au niveau harmonique et rythmique. Les envolées de guitare montrent la virtuosité et le ressenti dans le toucher portés, parfois par des notes chantées avec poésie. Le duo est une véritable alchimie.
Jouant avec des musiciens talentueux dont je ne détaille pas le nom, Egberto Gismonti collabore avec de nombreux musiciens de son pays et également de Jazzmen comme Charlie Haden ou Jan Garbarek, avec lesquels il joue sur le disque intitulé “Magico”. Usant de sa huit cordes, le guitariste repousse le périmètre harmonique.
Autant au piano qu’à la guitare, le Brésilien trouve des accords novateurs. Pouvant jouer des séquences énergiques, il sait aussi créer de l’espace.
Accompagné de Charlie Haden, il rejoue quelque temps plus tard pour le disque “Folk Songs”. En 1985 sur “Duas Vozes” le guitariste collabore une nouvelle fois avec Nana Vasconcelos, un percussionniste des plus intrigants.
Sur “Aquarela Do Brasil”, la guitare plaque des accords puissants fait claquer ses cordes pendant que le percussionniste place ses vocalises en écho. L’intensité de la guitare est bien présente pour mettre en valeur la voix.
Quelle énergie et quel bouillonnement sur “Rio de Janeiro”. Les voicings de guitare pleuvent sur une percussion entraînante. Le climat change du tout au tout, les basses vibrent,les aigus montent à la surface. Les sonorités que confectionnent ces deux musiciens sont grandioses. Le musicien a une curiosité sans limites concernant les couleurs et n’hésite d’ailleurs pas à ajouter des cordes, comme la contrebasse ou le violoncelle, qui introduisent “Trem Caipira”.
Les nappes sonores aux couleurs de la nostalgie nous effleurent.
En parcourant les différents disques, je vois une inspiration de ce qu’a été le Pat Metheny Group, dans le domaine des innovations sonores. “Trem Caipira” est un projet très axé autour des sons électroniques. L’arrangement des “Bachilias Brasileiras” intitulé “Aria Cantiga” est assez explosif.
La musique d’Egberto prend différentes allures selon les projets et peut nous faire naviguer d’un style à l’autre très rapidement.
Impressionnant sur la huit cordes, il impressionne par ses arpèges foudroyants au piano et ses accords plaqués avec force. Écoutez le premier morceau “Baiao Malandro” qui s’ouvre par “Alma”, un disque réalisé uniquement au piano. Le pianiste passe aussi par des mouvements plus calmes comme sur “Palhaco”. Ce musicien exceptionnel est aussi touchant à la guitare qu’au piano.
Ayant exploré le Jazz Rock en utilisant des effets électriques, l’œuvre d’Egberto Gismonti tourne autour de ses accords et arpèges à la huit cordes acoustique, ainsi qu’au piano. Les sonorités et les motifs s’inscrivent toujours dans une voie mélodique. Le disque de 1990 “Infancia” est un exemple de finesse, même lorsque les débits sont denses.
“Meninas” est d’une tendresse absolue alors qu’”Infancia” regorge d’énergie.
Les textures ainsi que les couleurs sonores provoquent une grande émotion.
Un bouquet de sons extrêmement bien écrit, surtout amené avec le morceau “Recife O Amor Que Move O Sol E Outras Estrelas”. Le piano accompagne les cordes qui sont comme des sanglots.
En 1992, on entend des sons électriques dans le disque “Casa Das Andorinhas”.
La basse synthétique et le son métallique du titre ”Amazonia” n’ont rien à voir avec ce qui précède. Ce n’est pas un disque que j’affectionne, mais il donne un aperçu de ce qu’explore le musicien Brésilien.
En 1994, pour ceux qui veulent visionner un extrait, Egberto invita John Mclaughlin au cours du Festival de Sao Polo.
Il sort ‘“Zig Zag” en 1996 aux sonorités très acoustiques. Sur cette chanson éponyme, les arpèges de guitare claquent comme des torrents. La corde grave résonne avec puissance, le guitariste nous tient en haleine. Sur “Mestico e Caboclo”, écoutez la guitare qui gronde et qui joue le motif en boucle.
L’arpège sur “Orixas” épouse à merveille le thème joué à la contrebasse qui est un mélange de poésie acoustique exprimant la tristesse.
“Meeting Point” en 1997, grandiose, par ce qu’il dégage, les voix des différentes cordes, le lyrisme de l’orchestre. C’est une véritable épopée sonore.
Enfin et s’il manquait des éléments pour illustrer le côté multi styles de ce musicien exceptionnel vous pouvez écouter “Saudacoes” en 2009. Composé de deux disques, le premier est un ensemble de compositions de style classique jouées par des cordes de l’orchestre qui produisent des envolées mélodiques.
Le second disque est un duo de guitares d’Egberto avec son fils Alexandre.
Là encore c’est une véritable contemplation d’arpèges, de motifs mélodieux souvent envoûtants, impressionnants de technique et de musicalité.
Leur virtuosité est au service du son, celui des harmonies et des mélodies insolites. Les cordes résonnent claquent par l’effet du slap sur les cordes qui claquent.
Les deux guitaristes jouent très rapidement avec une précision hallucinante.
J’ai essayé de vous présenter ce musicien au fil de son oeuvre discographique qui n’a eu de cesse, de dessiner des nouveaux horizons en matière d’harmonies. Il est sans doute l’un des plus grands au Brésil, un multi instrumentiste immense un peu comme l’était Hermeto Pascoal.
Il est une figure incontournable de la musique Sud Américaine.
Comme le choix des titres est difficile en raison de la variété des styles et ambiances, je sélectionne “Tribute To Wes Montgomery” en 1969 et “Saudacoes” de 2009.